Elena Asins, 2019

Canons 18 Hamburgo 1989 Impresión digital sobre papel 18 hojas sueltas de DIN A4 63x180 cm

Precursora del arte conceptual en España y pionera en el empleo del ordenador como herramienta de expresión de su lenguaje artístico expuso por primera vez en Altxerri con una exposición individual en noviembre del año 2000 y  fue presentada por la galería en ARCO 2001, 2012, 2013 y 2014.

Desarrolló una intensa carrera que culminó con dos grandes premios, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2006) y el Premio Nacional de Artes Plásticas (2011), y una monumental exposición antológica en el Museo Nacional Centro
de Arte Reina Sofía ese mismo año.

ASINS, Elena (Madrid, 1940 – Azpíroz, Navarra, 2015) fue pionera desde 1967 en la aplicación digital a las artes plásticas y creación basadas en algoritmos. Su obra se apartó de las prácticas convencionales de la pintura y se centró en la combinatoria de las matemáticas como generadoras de otra realidad constituida por líneas y superficies despojadas de cualquier simbolismo.

Christof Klute “White City”, 2019

Octubre / Diciembre 2019

Christof Klute.- “White City”.- Fundación Rolla (Suiza)

La galería Altxerri, dentro del programa de la II Bienal Internacional de Arquitectura/Mugak, presenta la exposición del fotógrafo Alemán Christof Klute, titulada: “White City” (Ciudad Blanca). Christof Klute (Munster, 1966) se formó como fotógrafo en Alemania y su carrera se centra en la captación de espacios creados por el hombre como apartamentos, escuelas y universidades, tratando así de establecer una conexión con el concepto de utopía moderna propuesta por Le Corbusier, Niemeyer, Taut, Terragni, Moretti. Las series que presenta no parte con la intencionalidad de representar un espacio arquitectónico de una manera objetiva y distante, sino con el objetivo de conducir al espectador hacia una experiencia subjetiva. En “White City” nos muestra una selección de 20 imágenes del conjunto arquitectónico de estilo Bauhaus de la ciudad de Tel Aviv, Patrimonio cultural de la UNESCO desde 2003.

“White City hace referencia a la presencia en Tel Aviv de más de 4.000 edificios construidos en estilo Bauhaus y estilo internacional en los años treinta del siglo XX. Es así la ciudad con mayor presencia de edificios construidos según los principios del Movimiento Moderno. La Gran Depresión y el ascenso de Hitler determinaron una emigración en masa al territorio británico de Palestina. Era necesaria una nueva planificación urbanística y aquí fue determinante el trabajo de un grupo de arquitectos alemanes y palestinos que habían estudiado y trabajado en Europa. En 2003 la UNESCO proclamó la White City de Tel Aviv Patrimonio Cultural de la Humanidad, como “un sorprendente ejemplo de urbanismo y arquitectura de una nueva ciudad de principios del siglo XX”.

Quintana /Okaranza “Wanderlust”, 2019

May/Jul 2019

Locarno, Septiembre 2017

Siguiendo la tradición romántica en unos tiempos que son, puesto delicadamente, lo contrario, Quintana y Okaranza desarrollan una exploración que, alejada de las corrientes más incisivamente sociales de la fotografía de calle, nos lleva a un lugar semejante por terrenos menos literales. Sus imágenes invitan al espectador a disfrutar de un momento cósmico a la vez que ofrecen espacio para pensar, cada uno a su manera, en cómo está el mundo…

Frente al vicio del exceso, la virtud de la templanza. Es lo que parece que se han propuesto Peio Quintana y Ricardo Okaranza, al abandonar sus respectivas Babilonias, Barcelona y Berlin, y sumergirse en la naturaleza persiguiendo ese deseo tan perfectamente condensado en la palabra Wanderlust o sea, querencia, anhelo de vagar. Vendría a ser la cara oculta del flaneurismo, el reverso eco/bio de los paseos urbanos, el abandono de la vida eléctrica por la luz natural, lejos de la ciudad, sin publicidad, ruido, humo ni gente. Deambular en estado de flotación, atendiendo rumores lejanos, observando rayos que se entrecruzan, ramas que ocultan las nubes, rocas recién bañadas

Pero aun no queriéndolo, el alma urbana de estos artistas disecciona tanta paz. Hay un cierto delirio en los paisajes en fuga de Quintana, un comienzo preciso y figurativo transformado gradualmente en una espiral de luz y color, a la caza de un reflejo esquivo. A su vez las piedras solemnes, en las vistas gélidas de Okaranza, revelan un esplendor casi inevitable.

Son lugares donde el clima no permite invasiones excesivas y la falta de interés económico, ausencia de petróleo, minerales u otras materias primas, aleja toda idea de inversión y/o explotación. Todo virgen, aunque mejor expresado, dejado a la naturaleza.

Siguiendo la tradición romántica en unos tiempos que son, puesto delicadamente, lo contrario, Quintana y Okaranza desarrollan una exploración que, alejada de las corrientes más incisivamente sociales de la fotografía de calle, nos lleva a un lugar semejante por terrenos menos literales. Sus imágenes invitan al espectador a disfrutar de un momento cósmico a la vez que ofrecen espacio para pensar, cada uno a su manera, en cómo está el mundo…

R. Okaranza.

Carmen Calvo “Ni Tú Ni Yo”, 2019

Febrero / Mayo 2019

La galería Altxerri presenta, de forma simultanea a la exposición en curso en Sala Kutxa del Kursaal de San Sebastián, su obra más reciente consistente en fotografías y collages de gran formato además de una serie de dibujos de formato medio. 

Estas obras  emplean un lenguaje ya habitual: fotografías de los años treinta y cuarenta que adquieren una presencia inquietante al ampliarse su tamaño y que acaban de adquirir un carácter surreal al añadírsele objetos como pelo, cuerdas, mascaras etc. 

Javier Mina “El arte de pasear”, 2018

Dic /Feb 2019

Galería Altxerri presenta “El arte de pasear” una exposición conceptual de Javier Mina. Ensayista, pintor, fotógrafo y activista cultural, Javier Mina (Pamplona 1950) presenta diferentes itinerarios por sus reflexiones visuales, referentes literarios y vestigios de arte urbano que toman el testigo de su ultimo libro “El dilema de Proust. O el paseo de los sabios”

Javier Mina Ver Manifiesto

 

Prudencio Irazabal “Las manos de Euriclea”, 2018

2Z5, 2018. Acrílico sobre tela. 80 x 120 cm

Lejos de la ocultación y el recelo que la palabra color señala desde su origen latino, el término griego khrōs significa en Homero el cuerpo, la carne y la piel como manifestación de procesos físicos internos o estados anímicos, objeto de exposición a las armas o razón del deseo y la seducción.

 ¿Cómo se pasa, con la primera aparición de khrōs en un texto filosófico, desde lo tangible a lo mudable y engañoso? (Parménides, fr. 8, 41) ¿Es el recuerdo de aquella primigenia relación entre el khrōma y la realidad del cuerpo la que hace a Platón (El Banquete, 211e) señalar a ambos, carne humana y color, como obstáculos a la contemplación de la belleza? El tradicional desasosiego de la cultura occidental ante las inconsistencias y carencias léxicas del mundo clásico griego en relación al color quedan en segundo plano frente al buen juicio de fundamentarlo, precisamente, en el cuerpo.

Cuando a partir de Newton el color deja de ser una propiedad de la materia y pasa a serlo de la luz en colaboración con el ojo y el cerebro, la persistencia de su enigmático poder emocional nos remite a aquel origen en la carnalidad que puede explicar el escaso interés de Homero en el color como concepto abstracto.

La presencia material del color y nuestra sensibilización a su inmediatez, sin embargo, parecen debilitarse cada día en favor del color desencarnado de la pantalla, que al haberse hecho hegemónica y renegar de lo tangible pone en evidencia la progresiva virtualización de toda experiencia ¿Qué significar con la antigua palabra en un mundo saturado de imágenes? ¿A qué campo semántico acudir para encontrar un nombre nuevo para el color?

Prudencio Irazabal.

Altxerri “35 Aniversario”, 2018

Julio /Octubre 2018

La galería Altxerri celebra su 35 aniversario con una selección de artistas con las que trabaja o ha trabajado. Carmen Calvo, Eva Lootz, Esther Ferrer, Ana Román, Paloma Navares, Raquel M.Ubago, Elena Asins, Begoña Zubero, Pamen Pereira.

 

Dick Rekalde “Mapas sin territorio”, 2018

Abril /Junio 2018.

“Valentino” 2018, 140 x 130 cm., Papel, rotulador, pintura alquídica , y acuarela.

Los dibujos, o mejor, los papeles presentados en “Mapas sin territorio”, son una serie de trabajos de gran formato, en algunos casos superior a los 200 cm, con manchas de acuarela y líneas de rotuladores de tinta de archivo pigmentada con un grosor de 0,5 o 0,7 mm. Mi relación con estos trabajos, es una relación física, donde las líneas acaban en función del largo de mi brazo, donde las líneas del pincel acaban donde se agota el agua en estos, según la calidad del pigmento de la acuarela. Para mi supone una vuelta a la pintura despues de mas de 20 anos, por lo menos a una pintura gestual, visceral, irracional, sin argumento, no tengo ganas de justificar nada, mas bien lo contrario, lo que quiero es hacer, producir, algo liviano, ligero, como un papel con acuarelas y rotuladores que no se puedan borrar.

Roscubas, 2017

Diciembre / –   2017

ST 2017, Técnica mixta 32x44 cm

A partir del día 29 de Diciembre los hermanos Fernando & Vicente Roscubas (nacidos en Palma de Mallorca en 1953 y residentes en Bilbao desde 1958) presentan en la galería Altxerri su trabajo más reciente, una selección de obras de pequeño y mediano formato basadas en imágenes digitales impresas sobre papel plegado sobre sí mismo.

En esta exposición hay dos grupos de obras temáticamente muy diferenciados: el primero, abstracto, basado en el trazo y lo gestual, y el segundo, plenamente figurativo en el que se hacen composiciones digitales empleando objetos icónicos y referencias artísticas cuidadosamente colocados en interiores.

Fernando y Vicente no son especialistas en una sola de las disciplinas de las Bellas Artes, sino que las integran todas. Se interesan por la manualidad artesana y el trabajo del taller hasta alcanzar unos acabados virtuosos como hechos por la más sofisticada máquina, pero no olvidan tampoco que el arte es un proceso mental y con esta premisa consiguen llevar la experiencia plástica a un universo de reflexión y trasgresión sin obviar el carácter sensorial de la mirada.

El arte visual y la reflexión puesta en los materiales y el espacio, son las constantes en sus trabajos, donde se hermanan la pintura, la escultura, el arte conceptual, las instalaciones y la música, convirtiendo el humor en uno de los principales rasgos de sus obras, bien sea desde una raíz surreal, los juegos de palabras, el empleo de una provocadora ironía, o bien adentrándose en el absurdo y la corrosión, manteniendo en todos los casos un combate contra la sedimentación del espíritu

Begoña Zubero “V/E Villaggio Eni”, 2017

Noviembre /Diciembre 2017

Serie V/E 2015-2017 Foto PA + tirada de 3, 60x90cm

Este viernes, día 3 de noviembre, la galería Altxerri, presenta dentro del programa de la 1ª Bienal Internacional de Arquitectura de San Sebastián, la exposición de la artista bilbaína Begoña Zubero, titulada: “V/E Villagio Eni”.

Begoña Zubero (Bilbao, 1962) se formó como fotógrafa en Madrid y Nueva York. A lo largo de su carrera ha transitado distintos géneros, desde la fotografía realista de sus espacios urbanos y naturalezas muertas hasta su experimentación con la abstracción de la fotografía subjetiva.

Atraída por la arquitectura de poder de los regímenes totalitarios europeos del siglo XX llegó a Roma en 2002, punto de partida de su proyecto Existenz. Tras Berlín, Varsovia, los campos de concentración de Auschwitz, Birkenau y Maidanek, Moscú y Yerevan, volvió a Roma en 2012 instalándose en la Real Academia de España.

Sus últimos cuatro años de residencia en Italia han tenido como resultado la serie titulada “Gente del Po”, presentada recientemente en la Kutxa Kukltur Artegunea (Edificio Tabakalera, Donostia-San Sebastián) y “V/E Villagio”, que la artista desarrolló en el contexto del proyecto Dolomiti Contemporanee.

El Villagio Sociale ENI (Ente Nazionale Idrocarburi) fue ideado por Enrico Mattei, impulsor del ENI en los años 50 con la idea ( dentro de lo que en Italia se denominó ”apertura a la izquierda”) de veraneo social para las 6000 personas dependientes del ENI, desde los dirigentes hasta los operarios mas rasos, sin distinción jerárquica. Así, a lo largo de 125 hectáreas inmersas en medio del bosque alpino, el arquitecto Edoardo Gellner proyecto este villagio compuesto de:263 villas unifamiliares, unas colonias para niños, un campamento para jóvenes, un albergue, una iglesia ( Ntra Señora del Cadore, proyectada junto a Carlo Scarpa) y un centro cívico. Todo ello correspondiendo a una tipología vanguardista y muy innovadora en la época: minimalista, ecológica y plenamente integrada en el paisaje.

El Villaggio tuvo su apogeo en los años 60, coincidiendo con las olimpiadas de invierno en Cortina D´Ampezzo,y posteriormente fue decayendo hasta el año 2000 en el que se cambia la gestión y entran nuevos proyectos.

Las fotografías de la exposición se centran en las instalaciones de la colonia para niños, en el impresionante edificio de Edoardo Gellner ahora mismo en vías de recuperación a través de intervenciones de artistas.