CHILLIDA, Obra gráfica

A lo largo de su carrera Chillida desarrollo una extensa obra gráfica de una excelente calidad formal y conceptual en grabados, serigrafías, xilografías y litografías sobre papel, donde el dibujo y la mancha directa son la alternativa visual a su obra extraordinaria escultórica.

PULSO.- Xare Álvarez Berakoetxea

Pulso es un término del latín pulsus y que tiene diversos usos. En la música, el pulso es una unidad básica que permite medir el tiempo, una serie de pulsaciones repetidas de manera constante que dividen el tiempo en fragmentos idénticos. El pulso funciona como una estructura que establece en la percepción una comparación entre los silencios y las notas que componen una obra.Esta idea sirve a Xare Álvarez como título metafórico para establecer una analogía entre el significado del término y su propia práctica. La exposición es una exploración de los límites de la materia y sus posibilidades de transformación, a través de un movimiento desde y hacia el interior y el exterior, entre lo visible y lo oculto de los objetos y espacios. Un proceso de experimentación con materiales débiles y residuales de complexión ligera, de formas flexibles y mutables; cuerdas y tejidos en los que se pueden observar los rastros del proceso y la manipulación de los gestos escultóricos (como el vertido de metal fundido sobre la pieza original, que la destruye al tiempo que la hace perdurable), donde cada material trata de encarnar su propia forma autónoma, convirtiendo la experiencia visual en un flujo ininterrumpido de asombro y descubrimiento. Xare emplea un vocabulario abstracto y una sintaxis de formas que fluctúan entre lo geométrico y lo orgánico, con referencias vegetales, al cuerpo y al espacio doméstico. Roturas, fisuras, huecos, formas vulnerables, superposición de elementos de factura artesanal e industrial, curvas y pliegues, superficies rugosas. Estructuras ligeras, inestables o aparentemente frágiles configuran la tactilidad de los objetos escultóricos, realizados fundamentalmente en bronce y madera. Las piezas sobre papel y textil, realizadas mediante técnicas como el gofrado, la punta seca o el bordado, son obras abstractas de motivos geométricos con repeticiones rítmicas de figuras inestables que proponen un mundo flotante y fluido. Una aproximación sensorial a la materialidad. Los materiales adquieren entonces una importancia determinante que deben entenderse como una arqueología personal, resultado de un ejercicio de introspección ligado a su propia experiencia, tendiendo puentes para unir íntimamente lo accesible y lo inaccesible.

DUDA DA DUDANA.- Manu Muniategiandikoetxea

Manu Muniategiandikoetxea muestra una selección de sus últimas obras concebidas sobre soportes y paneles conformados en los que traza y dibuja, muy esencialmente, líneas de corte que articulan el espacio entre el gesto y un proceso mecánico; esa acción se traslada también a piezas volumétricas de estructura sincopada en un juego de materiales, peso, color y ritmos repetidos, básicos, en las que utiliza madera, yesos y cementos.

 Toda la obra alude a referencias compositivas de Cézanne en varias de sus obras de árboles y paisajes, también con referencias ya habituales a Rodchenko y al constructivismo sobre las que el artista duda como método de trabajo y se interroga en los conflictos de percepción y en la interacción de líneas paralelas y dinámicas.

PREMONICION PLÁSTICA, Homenaje a Luis de Pablo

Eduardo Chillida, Broto, Marta Cárdenas, Elena Asins, Yturralde, Sistiaga, Victor Ávila, Sempere, F. García Sevilla, Alexanco, José Iges, Dick Rekalde, Jose Ramón Elorza, Palazuelo, Rafols Casamada, Soledad Sevilla, Roscubas, Cruz Novillo, Sistiaga, Jaume Plensa, Zóbel.

 Altxerri galería tributa un homenaje a Luis de Pablo, compositor y musicólogo recientemente fallecido, (Bilbao, 1930 – Madrid, 2021) perteneciente a la llamada Generación del 51. Luis de Pablo es una de las personalidades sobresalientes de la música contemporánea española y europea de la segunda mitad del siglo XX; además de su actividad principal como compositor fue organizador y programador de conciertos desde la década de los años sesenta, desempeñó una labor pionera en la difusión de la música culta contemporánea y, entre otras iniciativas, creó ALEA el primer laboratorio de música electroacústica en España con el patrocinio de Juan Huarte. Prolífico compositor, su extensa carrera varió desde la música incidental y la experimentación electroacústica a la creación de bandas sonoras para películas o a la composición de óperas y de obras para instrumentos variados y voces. Investigador de la música tradicional y de otras músicas no occidentales, de Pablo ha sido también maestro y orientador de varias generaciones de compositores. En 2021 se le concedió el León de Oro de la Bienal de Venecia por toda su trayectoria artística.

Del compositor se muestran algunos discos en formato LP de significadas creaciones como: WE, Polar, Sonido de guerra, Tornasol o Portrait imaginé, ilustrado por su esposa, la artista Marta Cárdenas.

 Esta exposición rememora a Luis de Pablo con una de sus ideas sobre la representación del sonido: “la acumulación de fuerzas sonoras por un simple –o complejo– gesto plástico… una especie de premonición plástica de lo que luego va a ser la forma sonora.”1

 El proyecto expositivo agrupa una serie de obras que contienen o aluden algo cercano a ese gesto plástico, a la notación musical o a una imaginaria plasmación gráfica del ruido, de lo musical, de lo sonoro o del silencio, algunas específicamente, otras como una evocación en piezas de varios artistas, algunos coetáneos, que tuvieron alguna relación con él, que coincidieron en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid de los años 70 o que estuvieron presentes en los Encuentros de Pamplona de 1972 de los que fue organizador con José Luis Alexanco (también fallecido el pasado año), con el patrocinio de la familia Huarte y de los que este año se conmemoran 50 años, todo un hito de las artes más radicalmente contemporáneas en ese momento.

Alexanco y De Pablo colaboraron asimismo en la instalación plástico-musical “Soledad interrumpida”.

Se exhiben también una muestra de carteles de películas para las que de Pablo compuso piezas y bandas sonoras, en una curiosa incursión en el cine que el recordaba con curiosidad y distancia, reconociendo la oportunidad y su adaptación al medio. Esa colaboración estuvo estrechamente ligada a las producciones de Elías Querejeta y a los directores Antxon Eceiza, (desde la primera “A través de San Sebastián”) Javier Aguirre, Carlos Saura o Víctor Erice, en películas tan significativas como: La caza, Último encuentro, Peppermint frappé, La prima Angélica o La familia de Pascual Duarte. Por otra parte, la mayoría de carteles llevan la firma de Cruz Novillo, uno de los diseñadores que renovó e innovó la gráfica española.

Queremos con este sencillo homenaje recordar la figura de Luis de Pablo, su incansable conocimiento y por extensión la importante relación del arte contemporáneo, en todas sus disciplinas, con la música y la investigación sonora.

1. SOLARE, Juan María, «Una conversación con Luis de Pablo», Sibila, nº 11, enero de 2003, pp.

EX_ILE.- Juan Aizpitarte

noviembre 12 azaroa 2021 / enero 15 urtarrila 2022

El proyecto expositivo de Juan Aizpitarte en la Galería Altxerri es una exploración formal hacia una estética de la identidad transfronteriza.

Apoyándose en la biografía del autor -que ha realizado obras producidas en el extranjero como distancia y adaptación de lugares no conocidos- junto con dos nuevas piezas creadas in situ para la galería, formarán el conjunto de esta muestra en formato de instalación. El título “Ex_ile” alude y pone en relación una interpretación personal del exilio como proceso social, psicológico y político, un concepto asociado al desarrollo de su trabajo realizado en los últimos 5 años.

Este proyecto expositivo enlaza con la Bienal de Arquitectura de Euskadi Mugak en clave de “estructuras de refugio” o “arquitecturas de la separación” con algunas de las obras que se presentan y se construirán al efecto en la sala. La propia noción de frontera se aborda desde el plano simbólico como imagen de lo otro.

“Pero el límite debe pensarse también en forma afirmativa, como limes o como espacio y lugar susceptible a ser habitado”. Eugenio Trías, de su libro La razón fronteriza.

RELACIONES VARIABLES – Irma Álvarez-Laviada

septiembre 10 iraila / octubre 31 urria 2021

Desde la pintura Irma Álvarez-Laviada ha ido realizando una obra que avanza en dirección a los objetos, un trabajo que consiste en enseñar el material a través de su formalización y que respeta todos los aspectos físicos, dimensiones, grosores y colores, donde se percibe su procedencia industrial sin apenas manipulación alguna en su formalización. Es así como Irma Álvarez-Laviada va dejando que los objetos hablen del vacío, la ausencia y el silencio, evocando a Oteiza, a José Ángel Valente o al cine de Yasujiro Ozu.

Sus obras son una continua investigación sobre los elementos estructurales que ahora toman protagonismo en volúmenes que se instalan y dan sentido al espacio.

 

Con una exquisita formalidad crea obras compuestas de capas de materiales que exhiben su esencia en una nueva plasticidad, trascendente y austera, en la que la fisicidad y sus significados dialogan entre sí para preguntarse acerca de la imagen necesaria.

Begiratzen gaituena / Lo que nos mira / O que nos olha

La exposición conjunta Lo que nos mira reúne la obra de dos artistas que con planteamientos diversos trabajan con el volumen, el color y el soporte desde la voluntad de interrogación con el espectador hacia las obras que dialogan mutuamente en el espacio expositivo.

 

Elena Mendizabal (1960, San Sebastián), es una artista de largo recorrido desde sus inicios conceptuales; su obra se inscribe dentro de la Nueva Escultura Vasca con aportaciones hacia la materialidad y a los intereses metafóricos y narrativos. En su desarrollo establece la formalidad de la escultura como un juego de meta-espacios, utilizando la yuxtaposición de elementos y el color hacia formas objetuales que se instalan en el muro y el suelo con diferentes materiales y recursos irónicos de lo personal y lo cotidiano.

Pedro Calapez (Lisboa, 1953) posee una sólida carrera artística; es un pintor que utiliza diferentes estrategias y modos de expansión de la pintura, que se sale y se vuelve a retraer al plano. También cuestiona el medio al superar y extender los límites del soporte en composiciones modulares que construye a partir de la relación entre el color y la estructura. Sus obras contienen una materia pictórica de ritmos, densidades y luminosos cromatismos.

Tanto Mendizabal como Calapez capturan la atención del espectador. Estas piezas, vibrantes y sutiles interrogan además a nuestra mirada pasiva exigiendo una complicidad de respuesta sobre lo que nos mira y nosotros vemos.

SITUACIONES

  •  “SITUACIONES. Sobre el papel / Paperea ”

26 de marzo – 24 de abril de 2021.

Alfonso ASCUNCE /  Berta CÁCCAMO /  Carmen CALVO /  Esther FERRER /  Eva LOOTZ / Claudia Patricia LORENZO /  Elba MARTÍNEZ

 La galería Altxerri presenta “SITUACIONES. Sobre el papel / Paperean ”

La exposición muestra el trabajo de siete artistas que muestran diferentes aspectos de su realidad íntima y cotidiana en los que el trazo, el gesto o la captura fotográfica son procesos de cercanía, de acumulación y de inmediatez de ejecución de las obras expuestas.

Desde el dibujo, la mancha, la escritura o el retrato, los artistas ofrecen una variedad de situaciones en las que el ser y el percibir, la realidad o la ensoñación se expresan mayoritariamente sobre papel, un soporte ligero, sensible y versátil a la experimentación y manipulación con técnicas diversas.

Alfonso Ascunce y Berta Cáccamo gesticulan un imaginario de manchas orgánicas, obsesivas o biomorficas.

Carmen Calvo superpone personajes sobre documentos encontrados, articulando narraciones casuales y aleatorias entre ellos.

Eva Lootz dibuja, sobre papeles pautados, esquemas y recorridos.

Claudia Rebeca Lorenzo traza formas sinuosas, tramas vegetales y retratos saturados.

Esther Ferrer rodea su figura de líneas y textos con el cuerpo como situación y referencia de género.  

Elba Martínez fotografía personas y actitudes o escribe poemas textiles de una biografía de afectos.

Javier Muro “A veces”, 2020

La galería Altxerri presenta “A veces”, exposición de Javier Muro.

Del 4 de diciembre de 2020 al 30 de enero de 2021.

La exposición consta de 16 obras de proceso escultórico, con reutilización de objetos y realizaciones en varios materiales: acero, aluminio, granito, bronce, madera y poliéster.

Las obras de este proyecto aluden a la naturaleza cambiante del objeto ya cómo su esencia y función se transforman al cambiar su apariencia, siendo ésta la nueva naturaleza de la cosa como símbolo evocador. Denotan una transmutación y sugiera la evidencia del flujo del tiempo.

Estas obras simbolizan también un cambio en la realidad que retratan. El cambio en lo cotidiano como un sismógrafo susceptible al temblor doméstico oa la vehemencia del hogar de realidades enfrentadas, entre la ironía y la paradoja de los objetos cotidianos y el sarcasmo o la crítica de una cultura cercana. Javier Muro (Pamplona, 1968), trabaja significados complejos a través de una manipulación sencilla con referencias explícitas a la otra aceptación de la apariencia: la falsificación como consuelo de un status inalcanzado.

Algunas veces se crea la sensación de que las piezas estás detenidas, una temporalidad a veces latente, a veces explícita.