RELACIONES VARIABLES – Irma Álvarez-Laviada

septiembre 10 iraila / octubre 31 urria 2021

Desde la pintura Irma Álvarez-Laviada ha ido realizando una obra que avanza en dirección a los objetos, un trabajo que consiste en enseñar el material a través de su formalización y que respeta todos los aspectos físicos, dimensiones, grosores y colores, donde se percibe su procedencia industrial sin apenas manipulación alguna en su formalización. Es así como Irma Álvarez-Laviada va dejando que los objetos hablen del vacío, la ausencia y el silencio, evocando a Oteiza, a José Ángel Valente o al cine de Yasujiro Ozu.

Sus obras son una continua investigación sobre los elementos estructurales que ahora toman protagonismo en volúmenes que se instalan y dan sentido al espacio.

 

Con una exquisita formalidad crea obras compuestas de capas de materiales que exhiben su esencia en una nueva plasticidad, trascendente y austera, en la que la fisicidad y sus significados dialogan entre sí para preguntarse acerca de la imagen necesaria.

Begiratzen gaituena / Lo que nos mira / O que nos olha

La exposición conjunta Lo que nos mira reúne la obra de dos artistas que con planteamientos diversos trabajan con el volumen, el color y el soporte desde la voluntad de interrogación con el espectador hacia las obras que dialogan mutuamente en el espacio expositivo.

 

Elena Mendizabal (1960, San Sebastián), es una artista de largo recorrido desde sus inicios conceptuales; su obra se inscribe dentro de la Nueva Escultura Vasca con aportaciones hacia la materialidad y a los intereses metafóricos y narrativos. En su desarrollo establece la formalidad de la escultura como un juego de meta-espacios, utilizando la yuxtaposición de elementos y el color hacia formas objetuales que se instalan en el muro y el suelo con diferentes materiales y recursos irónicos de lo personal y lo cotidiano.

 

Pedro Calapez (Lisboa, 1953) posee una sólida carrera artística; es un pintor que utiliza diferentes estrategias y modos de expansión de la pintura, que se sale y se vuelve a retraer al plano. También cuestiona el medio al superar y extender los límites del soporte en composiciones modulares que construye a partir de la relación entre el color y la estructura. Sus obras contienen una materia pictórica de ritmos, densidades y luminosos cromatismos.

 

 

Tanto Mendizabal como Calapez capturan la atención del espectador. Estas piezas, vibrantes y sutiles interrogan además a nuestra mirada pasiva exigiendo una complicidad de respuesta sobre lo que nos mira y nosotros vemos.

SITUACIONES

  •  “SITUACIONES. Sobre el papel / Paperea ”

26 de marzo – 24 de abril de 2021.

Alfonso ASCUNCE /  Berta CÁCCAMO /  Carmen CALVO /  Esther FERRER /  Eva LOOTZ / Claudia Patricia LORENZO /  Elba MARTÍNEZ

 La galería Altxerri presenta “SITUACIONES. Sobre el papel / Paperean ”

La exposición muestra el trabajo de siete artistas que muestran diferentes aspectos de su realidad íntima y cotidiana en los que el trazo, el gesto o la captura fotográfica son procesos de cercanía, de acumulación y de inmediatez de ejecución de las obras expuestas.

Desde el dibujo, la mancha, la escritura o el retrato, los artistas ofrecen una variedad de situaciones en las que el ser y el percibir, la realidad o la ensoñación se expresan mayoritariamente sobre papel, un soporte ligero, sensible y versátil a la experimentación y manipulación con técnicas diversas.

Alfonso Ascunce y Berta Cáccamo gesticulan un imaginario de manchas orgánicas, obsesivas o biomorficas.

Carmen Calvo superpone personajes sobre documentos encontrados, articulando narraciones casuales y aleatorias entre ellos.

Eva Lootz dibuja, sobre papeles pautados, esquemas y recorridos.

Claudia Rebeca Lorenzo traza formas sinuosas, tramas vegetales y retratos saturados.

Esther Ferrer rodea su figura de líneas y textos con el cuerpo como situación y referencia de género.  

Elba Martínez fotografía personas y actitudes o escribe poemas textiles de una biografía de afectos.

Javier Muro “A veces”, 2020

La galería Altxerri presenta “A veces”, exposición de Javier Muro.

Del 4 de diciembre de 2020 al 30 de enero de 2021.

La exposición consta de 16 obras de proceso escultórico, con reutilización de objetos y realizaciones en varios materiales: acero, aluminio, granito, bronce, madera y poliéster.

Las obras de este proyecto aluden a la naturaleza cambiante del objeto ya cómo su esencia y función se transforman al cambiar su apariencia, siendo ésta la nueva naturaleza de la cosa como símbolo evocador. Denotan una transmutación y sugiera la evidencia del flujo del tiempo.

Estas obras simbolizan también un cambio en la realidad que retratan. El cambio en lo cotidiano como un sismógrafo susceptible al temblor doméstico oa la vehemencia del hogar de realidades enfrentadas, entre la ironía y la paradoja de los objetos cotidianos y el sarcasmo o la crítica de una cultura cercana. Javier Muro (Pamplona, 1968), trabaja significados complejos a través de una manipulación sencilla con referencias explícitas a la otra aceptación de la apariencia: la falsificación como consuelo de un status inalcanzado.

Algunas veces se crea la sensación de que las piezas estás detenidas, una temporalidad a veces latente, a veces explícita.

 

REMAKE, VV.AA

Apertura: viernes 11, de 19 a 21 h.

11 de septiembre – 31 de octubre 2020.

La exposición forma parte del programa:

“Otras Actividades del Festival Internacional de Cine SSIFF 68 ”.

Artistas: Ignasi Aballí, Dennis Adams, Sergio Belinchón, Daniel Blaufuks, Alejandro
Garmendia, Iñaki Gracenea, Edu López, AlvaroMatxinbarrena, Miquel Mont, Ed
Ruscha, Unai San Martín, Alain Urrutia.

Las obras de los artistas presentes remiten a los medios de producción o de los
géneros del cine a través de la reutilización de imágenes ajenas, reformuladas
como un remake -la reelaboración o actualización de películas,
secuencias, historias, mitos o escenas- que se incorporan como fuente estética de
recursos y referencias del cine como imaginario social.

La exposición ofrece un juego de apropiaciones que los artistas toman prestadas,
en un trasvase mutuo entre formas plásticas y cinematográficas, que mantienen
una relación directa o lateral con el cine o el entendimiento de lo
cinematográfico, como soporte, tecnología, cuestionamiento, creación de
imágenes o incidencia cultural

Don Herbert “I follow my own path”

La galería Altxerri presenta en su reapertura la exposición-homenaje a Don Herbert tras su fallecimiento el pasado mes de febrero.

Don Herbert (Detroit 1942-San Sebastián 2020), es uno de los artistas de referencia de la galería Altxerri, en la que expuso por primera vez en 1990, con una estrecha relación que se extendió en seis muestras individuales y en varias ediciones de las ferias Arco y Art Chicago.

Artista libre e irreductible, Don Herbert es un original creador que aporta una obra de raíz abstracta, alejada del informalismo europeo, con referencias de la pintura norteamericana de Milton Resnick, Morris Louis, Richard Diebenkorn, Ed Moses o la escultura de Larry Bell, pero sin influencias directas.

Su pinturas sistemática, repetitiva, pero no propiamente minimalista, pues contiene siempre un gesto sobrio, matérico, que combina con superficies planas de texturas empastadas en contraste de colores graves, oscuros y profundos. Don Herbert combina en su obra diferentes planos de superficie, creando volúmenes contundentes junto a las gruesas tramas trabajadas pacientemente. En sus pinturas sobre madera, algunas de gran formato, establece una relación física entre la pintura y su estructura de soporte. La obra sobre papel acumula capas de color transparente y sugerentes entrelazados en los que interviene con geometrías y formas básicas que ordenan la superficie con un lenguaje reduccionista. Don Herbert hace de la superficie una piel modelada y tejida de óleo, en un trabajo metódico y pausado.

Como escribe José Ángel Arteche: “En una extenuante reiteración, respetuosa con las parcelaciones de la superficie y las propiedades gestálticas, Don Herbert, con su actitud, reivindica el atavismo de la pintura, su materialidad y untuosidad, los pigmentos y el aceite de linaza, la colocación de cada color y la espera necesaria para su secado una y otra vez, logrando superficies verdaderamente sensuales. En Don Herbert es manifiesto su interés por la pintura-pintura. La suya es una reivindicación radical de la autonomía de la plástica, como elemento de experiencia y sin mediación alguna”.

Don Herbert formó parte generacionalmente de un grupo de artistas que se asentaron singularmente en España en la década de 1970 y dieron otra perspectiva al arte de la época, como: Mitsuo Miura, Adolph Schlosser, Eva Lootz, Francis Warringa o Erwin Bechtold.

Elena Asins, 2019

Canons 18
Hamburgo 1989
Impresión digital sobre papel
18 hojas sueltas de DIN A4
63×180 cm

Precursora del arte conceptual en España y pionera en el empleo del ordenador como herramienta de expresión de su lenguaje artístico expuso por primera vez en Altxerri con una exposición individual en noviembre del año 2000 y  fue presentada por la galería en ARCO 2001, 2012, 2013 y 2014.

Desarrolló una intensa carrera que culminó con dos grandes premios, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2006) y el Premio Nacional de Artes Plásticas (2011), y una monumental exposición antológica en el Museo Nacional Centro
de Arte Reina Sofía ese mismo año.

ASINS, Elena (Madrid, 1940 – Azpíroz, Navarra, 2015) fue pionera desde 1967 en la aplicación digital a las artes plásticas y creación basadas en algoritmos. Su obra se apartó de las prácticas convencionales de la pintura y se centró en la combinatoria de las matemáticas como generadoras de otra realidad constituida por líneas y superficies despojadas de cualquier simbolismo.

Christof Klute “White City”, 2019

Octubre / Diciembre 2019

Christof Klute.- “White City”.- Fundación Rolla (Suiza)

La galería Altxerri, dentro del programa de la II Bienal Internacional de Arquitectura/Mugak, presenta la exposición del fotógrafo Alemán Christof Klute, titulada: “White City” (Ciudad Blanca). Christof Klute (Munster, 1966) se formó como fotógrafo en Alemania y su carrera se centra en la captación de espacios creados por el hombre como apartamentos, escuelas y universidades, tratando así de establecer una conexión con el concepto de utopía moderna propuesta por Le Corbusier, Niemeyer, Taut, Terragni, Moretti. Las series que presenta no parte con la intencionalidad de representar un espacio arquitectónico de una manera objetiva y distante, sino con el objetivo de conducir al espectador hacia una experiencia subjetiva. En “White City” nos muestra una selección de 20 imágenes del conjunto arquitectónico de estilo Bauhaus de la ciudad de Tel Aviv, Patrimonio cultural de la UNESCO desde 2003.

“White City hace referencia a la presencia en Tel Aviv de más de 4.000 edificios construidos en estilo Bauhaus y estilo internacional en los años treinta del siglo XX. Es así la ciudad con mayor presencia de edificios construidos según los principios del Movimiento Moderno. La Gran Depresión y el ascenso de Hitler determinaron una emigración en masa al territorio británico de Palestina. Era necesaria una nueva planificación urbanística y aquí fue determinante el trabajo de un grupo de arquitectos alemanes y palestinos que habían estudiado y trabajado en Europa. En 2003 la UNESCO proclamó la White City de Tel Aviv Patrimonio Cultural de la Humanidad, como “un sorprendente ejemplo de urbanismo y arquitectura de una nueva ciudad de principios del siglo XX”.

Quintana /Okaranza “Wanderlust”, 2019

May/Jul 2019

Locarno, Septiembre 2017

Siguiendo la tradición romántica en unos tiempos que son, puesto delicadamente, lo contrario, Quintana y Okaranza desarrollan una exploración que, alejada de las corrientes más incisivamente sociales de la fotografía de calle, nos lleva a un lugar semejante por terrenos menos literales. Sus imágenes invitan al espectador a disfrutar de un momento cósmico a la vez que ofrecen espacio para pensar, cada uno a su manera, en cómo está el mundo…

Frente al vicio del exceso, la virtud de la templanza. Es lo que parece que se han propuesto Peio Quintana y Ricardo Okaranza, al abandonar sus respectivas Babilonias, Barcelona y Berlin, y sumergirse en la naturaleza persiguiendo ese deseo tan perfectamente condensado en la palabra Wanderlust o sea, querencia, anhelo de vagar. Vendría a ser la cara oculta del flaneurismo, el reverso eco/bio de los paseos urbanos, el abandono de la vida eléctrica por la luz natural, lejos de la ciudad, sin publicidad, ruido, humo ni gente. Deambular en estado de flotación, atendiendo rumores lejanos, observando rayos que se entrecruzan, ramas que ocultan las nubes, rocas recién bañadas

Pero aun no queriéndolo, el alma urbana de estos artistas disecciona tanta paz. Hay un cierto delirio en los paisajes en fuga de Quintana, un comienzo preciso y figurativo transformado gradualmente en una espiral de luz y color, a la caza de un reflejo esquivo. A su vez las piedras solemnes, en las vistas gélidas de Okaranza, revelan un esplendor casi inevitable.

Son lugares donde el clima no permite invasiones excesivas y la falta de interés económico, ausencia de petróleo, minerales u otras materias primas, aleja toda idea de inversión y/o explotación. Todo virgen, aunque mejor expresado, dejado a la naturaleza.

Siguiendo la tradición romántica en unos tiempos que son, puesto delicadamente, lo contrario, Quintana y Okaranza desarrollan una exploración que, alejada de las corrientes más incisivamente sociales de la fotografía de calle, nos lleva a un lugar semejante por terrenos menos literales. Sus imágenes invitan al espectador a disfrutar de un momento cósmico a la vez que ofrecen espacio para pensar, cada uno a su manera, en cómo está el mundo…

R. Okaranza.